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Bernard Vorhaus

Bernard Vorhaus

Bernard Vorhaus, hijo de un abogado, nació en la ciudad de Nueva York el 25 de diciembre de 1904. Su padre había llegado a Estados Unidos como un inmigrante pobre a la edad de siete años, procedente de un pueblo de Austria. Según su hijo, "se había abierto camino en la universidad y en la facultad de derecho y había desarrollado una práctica legal bastante impresionante". Tenía puntos de vista de izquierda y había sido un firme partidario de Woodrow Wilson y sus ideas para una Liga de Naciones.

Su hermana, Amy Vorhaus, que era doce años mayor que él, escribió guiones cinematográficos, por lo que se interesó por las películas desde muy joven. Más tarde recordó: "Mi abuela, que vivía en el condado de Westchester, que está un poco lejos de Manhattan, solía llevarme al nickelodeon local, y como tenía asientos de madera dura, ella traía consigo un cojín inflable, un termo. de café y galletas, y mirábamos los seriales. Pero estaba bastante frustrado, porque siempre me quedaba con la heroína atada a las vías del tren mientras el tren se acercaba, o colgando de un acantilado con la cuerda deshilachada, y luego rara vez regresaba a Westchester a tiempo para ver la secuela ".

Después de dejar la Universidad de Harvard, intentó convertirse en escritor. Su primer guión, Steppin 'Out, fue producido en 1925. También ayudó a escribir El dinero habla (1926) y Ninguna otra mujer (1928). La primera película que dirigió fue Dinero por velocidad (1933). Esto fue seguido por Crimen en la colina (1933). En su próxima película, La cámara fantasma (1933), empleó a David Lean como editor. Más tarde, Vorhaus afirmó que hizo varias innovaciones con esta película. "Hubo algunos primeros en La cámara fantasma. Fue la primera vez que alguien ejecutó una sección de la película antes de los títulos principales. Fue la primera vez que, cuando hubo un flashback, es decir, cuando uno de los principales los personajes estaban hablando de algo que había sucedido anteriormente, y lo recordabas, en lugar de ver a la persona en la escena, ya que la persona no se habría visto a sí misma ".

Durante la década de 1930, Vorhaus se involucró en la política. Mientras trabajaba en Londres se había unido al Left Book Club y le habían impresionado especialmente los libros de John Strachey (La próxima lucha por el poder) y R. Palme Dutt (Fascismo y revolución social). También se convirtió en partidario del Gobierno del Frente Popular durante la Guerra Civil española y se unió a varios grupos de presión involucrados en la lucha con los gobiernos liderados por Adolf Hitler y Benito Mussolini. También se hizo cercano a varias otras figuras de izquierda en Hollywood, entre ellas: Donald Ogden Stewart, Ring Lardner Jr., Samuel Ornitz, Gordon Kahn, Ian McLellan Hunter y Guy Endore.

Vorhaus admitió más tarde en Compañeros tiernos (1997): "Durante un tiempo fui muy activo con los comunistas en el trabajo antifascista que estaban haciendo ... Cuando la Unión Soviética firmó un pacto de no agresión con Alemania, creo que la Unión Soviética estaba justificada al hacerlo. porque había intentado durante años lograr un frente unido de los países democráticos contra Hitler y no lo había logrado, porque esperaban que Hitler y la Unión Soviética vendrían a luchar entre sí y destruirse o debilitarse mucho. ... Llegué muy pronto a estar en desacuerdo con el 'centralismo democrático' que creo que es un sistema muy antidemocrático. Eso es lo que gobierna el Partido Comunista y es lo que gobernaba la Unión Soviética. Creo que es la triste causa del terrible despotismo y corrupción de Estalinismo, bajo el cual millones de su propia gente fueron asesinados ".

Otras películas durante este período de Vorhaus incluyeron Reina del club nocturno (1933), Mundo oscuro (1935), El ultimo viaje (1935), Armiño polvoriento (1936), Reina de algodón (1937), Rey de los Newsboys (1938), Niño de la décima avenida (1938), Camino hacia el sur (1939), Muelle de los Pescadores (1939), Ángeles con alas rotas (1941), Huracán smith (1941), Los asuntos de Jimmy Valentine (1942), Enterrarme muerto (1947) y Winter Wonderland (1947).

El 20 de octubre de 1947, el Comité de Actividades Antiamericanas (HUAC) abrió sus audiencias sobre la infiltración comunista en la industria cinematográfica. El investigador principal del comité fue Robert E. Stripling. Las primeras personas que entrevistó fueron Ronald Reagan, Gary Cooper, Ayn Rand, Jack L. Warner, Robert Taylor, Adolphe Menjou, Robert Montgomery, Walt Disney, Thomas Leo McCarey y George L. Murphy. Estas personas nombraron a varios posibles miembros del Partido Comunista Estadounidense.

Como resultado de sus investigaciones, el HUAC anunció que deseaba entrevistar a diecinueve miembros de la industria cinematográfica que creían que podrían ser miembros del Partido Comunista Estadounidense. Esto incluyó a Herbert Biberman, Alvah Bessie, Lester Cole, Albert Maltz, Adrian Scott, Dalton Trumbo, Edward Dmytryk, Ring Lardner Jr., Samuel Ornitz, John Howard Lawson, Larry Parks, Waldo Salt, Bertolt Brecht, Richard Collins, Gordon Kahn, Robert Rossen, Lewis Milestone e Irving Pichel.

Los primeros diez testigos llamados a comparecer ante el HUAC, Biberman, Bessie, Cole, Maltz, Scott, Trumbo, Dmytryk, Lardner, Ornitz y Lawson, se negaron a cooperar en las audiencias de septiembre y fueron acusados ​​de "desacato al Congreso". Conocidos como los Diez de Hollywood, afirmaron que la 1ª Enmienda de la Constitución de los Estados Unidos les dio el derecho a hacer esto. Los tribunales no estuvieron de acuerdo y cada uno fue sentenciado a entre seis y doce meses de prisión. El caso llegó a la Corte Suprema en abril de 1950, pero con solo los jueces Hugo Black y William Douglas en desacuerdo, las sentencias fueron confirmadas.

El 8 de marzo de 1951, el comité de HUAC inició una "Investigación del comunismo en el campo del entretenimiento". Varios de estos testigos mencionaron a personas como miembros del Partido Comunista Estadounidense. Esto incluyó a: Larry Parks, Sterling Hayden, Richard Collins, Edward Dmytryk, Budd Schulberg, Frank Tuttle, Leo Townsend, Martin Berkeley, Elia Kazan, Isabel Lennart, Clifford Odets, Roy Huggins, Robert Rossen y Lee Cobb. Dmytryk, Tuttle, Berkeley y Rossen, nombraron a Vorhaus como comunista.

Vorhaus se negó a testificar contra antiguos camaradas y fue incluido en la lista negra. Se mudó a Londres y, según su biógrafo, "en lugar de luchar contra la desigual industria cinematográfica europea, como sus compañeros exiliados políticos John Berry, Jules Dassin, Cy Endfield, Joseph Losey y tantos otros, construyó una nueva carrera convirtiendo las mansiones victorianas de Londres en apartamentos. "

Bernard Vorhaus murió el 23 de noviembre de 2000.

Durante un tiempo estuve muy activo con los comunistas en el trabajo antifascista que estaban haciendo ... Creo que es la triste causa del terrible despotismo y corrupción del estalinismo, bajo el cual millones de su propia gente fueron asesinados.


Enterrarme muerto

Cuando se encuentran los restos del cuerpo de una mujer después de que un incendio consumiera un granero en la finca de la rica Barbara Carlin, se supone que es ella, especialmente porque llevaba el collar de diamantes de Barbara. Sin embargo, después del funeral, Barbara se pone en contacto en secreto con Michael Dunn, el abogado de la familia. Él le aconseja que notifique a la policía de inmediato, pero ella sospecha que alguien está tratando de asesinarla y quiere investigar primero.

Una serie de flashbacks revela los posibles motivos de varios sospechosos. El principal sospechoso es su marido irresponsable y mujeriego, Rod, de quien ella se está divorciando a regañadientes, podría querer su riqueza. Pero también está Rusty, una joven resentida que había sido educada para creer que era la hermana menor de Barbara. Cuando el padre de Barbara murió, su testamento reveló que Rusty era solo un huérfano que había criado, pero que no era legalmente adoptado. Barbara lo heredó todo. Barbara estaba dispuesta a compartir todo con ella, pero Rusty aceptó solo una pequeña asignación. Resulta que Rusty también está enamorado de Rod y (erróneamente) cree que la ama. ¿Y quién es la mujer enterrada bajo el nombre de Barbara?

Otro flashback revela que Rusty, un menor, se había acostado con un boxeador tonto llamado George Mandley. Cuando Barbara fue a llevarla a casa, Rod se sintió abiertamente atraído por la bien formada "asistente" de George, Helen Lawrence. Barbara empezó a ver a George para tomar represalias. A Rusty le molestaba amargamente que Barbara se llevara a George lejos de ella. Finalmente, se da cuenta de que la mujer muerta es Helen. (Rod la había dejado probarse el collar de Barbara y se había olvidado de recuperarlo).

Siguen más revelaciones. Helen, la intrigante novia de George, le había conseguido que saliera con Barbara mientras ella misma veía a Rod. Ella le insinuó a Rod que debería matar a su esposa y casarse con ella. Eso falló, ya que Rod realmente amaba a Barbara, dejando a Helen conspirando para extorsionar a Barbara a través de George. Mientras tanto, Rusty, todavía seguro de que Rod la ama, se jacta con él de que sus planes los habían separado a él y a Barbara.

Después de que se apaga la luz en su mansión esa noche, Barbara es atacada por un asaltante desconocido en la oscuridad. El atacante huye antes de terminar el trabajo. Rod y Jeffers, su mayordomo, aparecen poco después, seguidos por Michael. Rod es llevado por la policía para interrogarlo, durante el cual se le pide que telefonee a Michael para obtener información sobre las pólizas de seguro sobre la vida de Barbara. Cuando la secretaria de Michael menciona que no ha estado en la oficina en todo el día, Rod recuerda que afirmó haber recibido el mensaje de Rod sobre el último ataque. Insiste en que la policía lo lleve de regreso a la mansión lo más rápido posible. Mientras tanto, Michael se da cuenta de que ha cometido un error al decirle a Barbara que Helen fue asesinada con un martillo, algo que solo el asesino sabría. Cuando aparece Rusty, decide presentar a Rusty y Barbara como un asesinato-suicidio, pero la policía lo mata a tiros justo a tiempo.


Bernard Vorhaus

Bernard Vorhaus (25 de diciembre de 1904-23 de noviembre de 2000) fue un director de cine estadounidense nacido en la ciudad de Nueva York.

El graduado de la Universidad de Harvard, además de dirigir treinta y dos películas, también fue el mentor del futuro director de cine David Lean, parte de cuyo trabajo como editor de películas al principio de su carrera fue en películas de Vorhaus. Trabajó constantemente como guionista en Hollywood cuando tenía 20 años, pero quería dirigir películas. Finalmente decidió mudarse a Inglaterra y comenzó a dirigir películas de serie B o cuotas rápidas, sobre todo El ultimo viaje (1935). Después del éxito en Inglaterra, Vorhaus regresó a los Estados Unidos y comenzó a trabajar en Republic Pictures dirigiendo nuevamente películas B.

Vorhaus fue incluido en la lista negra en 1951 en las audiencias de HUAC. Vorhaus ya se había mudado a Europa en ese momento y dirigió algunas películas menores mientras estuvo allí. Finalmente regresó a Inglaterra y se retiró del negocio del cine, fundando un negocio especializado en renovaciones de casas.

Vorhaus tuvo dos hijos, Gwyn y David, un pionero de la música electrónica que trabajó bajo el nombre de White Noise.


Reseñas populares

Un primer talkie inglés muy agradable en el que el torpe y divertido Henry Kendall se pone en marcha para encontrar al dueño de una cámara misteriosa que aterriza en su coche.

Lo acompaña en su aventura Ida Lupino, en uno de sus primeros papeles. Aparentemente, Lupino tenía solo 15 años cuando se lanzó The Ghost Camera, lo que hace que su noviazgo con Kendall, más del doble de su edad, sea algo problemático para los estándares actuales, por decir lo menos.

También tienes a un joven John Mills, como su hermano con problemas, y David Lean también hizo la edición. Esto último sin duda explicaría algunos de los fascinantes cortes aquí, especialmente durante la notable escena de apertura de la película. Toda la historia se juega con algunas risas, como era de esperar con Kendall a la cabeza, pero es rápida y entretenida con un estilo estilístico impresionante detrás.

Un interesante Quickie de cuotas que sigue un punto de trama similar al clásico Explotar, donde una fotografía puede contener o no evidencia de un asesinato.

Henry Kendall es su tipo habitual de torpe y torpe, aunque se adapta a su personaje aquí más que a la mayoría, y una adolescente Ida Lupino brilla en uno de sus primeros papeles: apenas quince años, tiene mucho aplomo y encanto.

Bernard Vorhaus dirige, y esta es una entrada sólida en una carrera que lo llevó a través de dos continentes hasta Hollywood. Claramente, podría trabajar rápida y eficazmente, y aunque esto es "bastante británico", bien podría beneficiarse del toque estadounidense.

La cámara fantasma puede moverse lentamente y falta de motivo musical ...

6.25/10
Gran trama conceptual sobre la que no puedo decir mucho, ya que eso haría que ver esta película B sea menos interesante. Henry Kendall tiene el liderazgo y es asistido por Ida Lupino (y la forma en que se conocen también es bastante interesante, pero tampoco puedo decir nada al respecto).

John Mills también tiene un papel importante aquí y quizás tiene el papel más emotivo. Víctor Stanley es el otro actor secundario. El trabajo de cámara (perdón por el juego de palabras) en esta película es interesante y aunque hay varias cosas que es mejor no analizar (por qué no lo hizo, o eso tiene poco sentido), la película no es común y los personajes son convincentes.

Un misterio de asesinato rápido con cuotas de rutina protagonizado por Henry Kendall que ahora es notable solo por las primeras apariciones de Ida Lupino, de 15 años (¡que interpreta al interés amoroso de Kendall!) Y John Mills. Kendall encuentra una cámara y, después de revelar la película en su interior, se da cuenta de que contiene las posibles pistas de un asesinato. Luego usa las otras fotos de la película para localizar al asesino.


Bernard Vorhaus - Historia

Bernard Vorhaus aportó a su trabajo en Gran Bretaña la mirada de un forastero, un ritmo estadounidense y un sentimiento distintivo por el medio cinematográfico. Trabajando duro como director en el campo del 'quota quickie' en la década de 1930, rápidamente dejó su huella en la industria, resucitó cincuenta años después, sus películas golpearon a otra generación, feliz de encontrar signos de vida en un rincón del cine británico que a menudo se pensaba. un cementerio. Al igual que Michael Powell, otro director "rápido", Vorhaus demostró que con una imaginación viva, incluso el guión más recalcitrante podría convertirse en un cine genuino, en lugar de un diálogo con ilustraciones añadidas.

Nació en la ciudad de Nueva York el 25 de diciembre de 1904 en una próspera familia de inmigrantes. Las visitas de la infancia a los estudios de Fort Lee en Nueva Jersey con su hermana mayor Amy, una escritora de escenarios, despertaron su interés en el medio. En la década de 1920, él mismo era escritor y trabajaba en Hollywood para Columbia y Fox, entre otras tareas; escribió como fantasma el intenso y romántico éxito de taquilla de Fox, Seventh Heaven (Estados Unidos, 1927). Se movió en dirección con un drama silencioso de dos carretes, Sunlight (EE. UU., 1928), perdido de vista en la emoción de las películas sonoras.

Sin trabajo inminente, Vorhaus vino a Inglaterra de vacaciones en 1929. Se quedó ocho años. El alboroto del talkie le dio un lugar en Wembley como supervisor de producción de British Sound Film Productions. Cuando la compañía colapsó, Vorhaus reeditó algunos de sus cortometrajes en Camera Cocktails, y procedió a su primer largometraje, On Thin Ice (1933), un thriller de sociedad, recibido con indiferencia, ahora una película perdida. Con Money for Speed ​​(1933), Vorhaus mostró más individualidad, construyendo su triángulo romántico alrededor de la emoción de las carreras de velocidad, filmado enérgicamente en el lugar. Su editor fue otro recién llegado a la industria, David Lean.

Posteriormente, Vorhaus trabajó principalmente para el productor Julius Hagen en Twickenham Studios, la fábrica de muchas producciones por cuotas, resultó con presupuestos bajos en calendarios de rodaje de dos semanas. Su primera tarea fue La cámara fantasma (1933). Gran parte de la historia fue mundana, aunque hay algo de diversión subido de tono en una casa de huéspedes en el campo entre el héroe vacilante Henry Kendall y la enérgica heroína Ida Lupino. Vorhaus se negó a conformarse con imágenes comunes, rompiendo el clímax de la sala del tribunal con una cámara subjetiva que se tambalea, intercalando un crescendo de primeros planos mientras el juez presenta las pruebas del asesinato. En su siguiente película, Crime on the Hill (1933), Vorhaus condimentó un hilo de asesinato estándar en una casa de campo con ironía, caracterizaciones animadas y, en el caso de la actriz Sally Blane, insinuaciones de lo erótico.

No todas las asignaciones se pueden salvar con el ágil manejo de Vorhaus. Junto a los dóciles actores del West End contratados para las películas, Lewis Casson, John Mills, Henry Kendall, entre otros, estaba John Garrick, un actor y cantante de semblante inflexible, que contrarresta los esfuerzos creativos de Vorhaus en Street Song (1935) y The Broken. Melodía (1934). A veces los guiones llegaban con sus propias limitaciones, otra película perdida, Ten Minute Alibi (1935), sufrió especialmente, en opinión de Vorhaus, por su camisa de fuerza teatral. Los escritores de La melodía rota, en la que un compositor (el oleaginoso Garrick) encarcelado en la Isla del Diablo después de un crimen pasional, se escapa y escribe una ópera sobre todo ello, tal vez necesitaban una camisa de fuerza propia.

En una película en particular, El último viaje (1935), material y método, estilo y sustancia, se fusionaron con resultados estimulantes. Esta película tenía que moverse rápido: estaba ambientada en un tren fuera de control que se precipitaba hacia la destrucción a manos de un conductor que se enfrentaba al retiro, atormentado por los celos. Al igual que en Money for Speed, Vorhaus quería emociones y derrames reales, no maquetas de estudio, la filmación en el lugar y el corte rápido generaron un nivel de emoción mucho más allá de la norma británica. La trama básica era banal, pero la presentación de Vorhaus mantuvo al tren y a sus pasajeros empujándose alegremente. El conductor enloquecido, el bígamo y su nueva adquisición, dos ladrones que huyen, el detective disfrazado, el fogonero valiente en el reposapiés, el hábil especialista en el cerebro: Vorhaus los imprimió a todos con peculiaridades humanizadoras y evitó las caricaturas de cartón. Para una función de apoyo de bajo presupuesto, The Last Journey tuvo un impacto considerable. Dark World (1935), un thriller más espeluznante, hecho para Fox-British, también recibió fuertes críticas, lamentablemente esta es otra película perdida.

Para entonces, las ambiciones de Hagen estaban aumentando. En 1935 se montó una lujosa nueva versión de Broken Blossoms de Griffith en Twickenham, dirigida por Hans (más tarde John). Brahm Vorhaus se desempeñó como supervisor técnico. Su siguiente aventura como director, Dusty Ermine (1936), fue otro beneficiario de la generosidad de Hagen: un thriller teatral sobre falsificadores, que se abrió para abarcar un extenso trabajo de locación en los Alpes suizos. Vorhaus le dio a la obra una sacudida vigorosa, agregando un papel excéntrico para la recién llegada Margaret Rutherford, y llenó la pantalla con imágenes impactantes cada vez que los personajes se ponían los esquís.

Las dificultades financieras de Hagen se profundizaron en 1936. La última película británica de Vorhaus, Cotton Queen, una comedia poco agradable de North Country, fue realizada para el productor estadounidense Joe Rock. Sin trabajo y sin dinero, Vorhaus aceptó una oferta de Herbert J. Yates, presidente de Republic Pictures, y regresó a Estados Unidos. Se unió a la línea de montaje de Hollywood, abordando proyectos abigarrados de presupuesto medio y agudizando sus simpatías de izquierda con la Guerra Civil española. Reanudando la realización de largometrajes después de la Segunda Guerra Mundial, se aventuró en la producción independiente y tuvo cierto éxito con So Young So Bad (1950), un serio drama sobre chicas delincuentes, antes de que el HUAC y las cazas de brujas anticomunistas lo llevaran a exilio.

Regresó a Inglaterra en 1951, pero a diferencia de sus compañeros exiliados, Joseph Losey y Cy Endfield optaron por retirarse de la industria. Desarrolló un negocio de conversión de pisos en Londres, Domar Properties, y vivió lo suficiente para revivir sus logros pasados ​​cuando su carrera como uno de los directores británicos más brillantes y menos británicos fue redescubierta en la década de 1980. Murió en Tooting, al sur de Londres, el 23 de noviembre de 2000.

Bibliografía
Angelini, Sergio, 'The Archive Presents. A Tribute to Bernard Vorhaus ', Programa Nacional de Cine Cinematográfico, marzo de 2001, págs. 46-7
Brown, Geoff, 'Vorhaus: un director redescubierto' en Vista y sonido, Invierno de 1986/7, págs. 40-43
Brown, Geoff, 'Money for Speed: The British Films of Bernard Vorhaus' en Jeffrey Richards (ed.), La década de 1930 desconocida: una historia alternativa del cine británico, 1929-1939 (Londres: I. B. Tauris, 1998)
Eyles, Allen y Meeker, David, Desaparecidos Creídos Perdidos. La gran búsqueda de películas británicas (Londres: BFI Publishing, 1992)
Vorhaus, Bernard, Guardado de Oblivion. Una autobiografía (Lanham: Scarecrow Press, 2000)


Tres caras al oeste. 1940. Dirigida por Bernard Vorhaus

Tres caras al oeste. 1940. Estados Unidos. Dirigida por Bernard Vorhaus. Con John Wayne, Sigrid Gurie, Charles Coburn. DCP. 81 min.

Un western contemporáneo con fuertes temas políticos, sin duda aportado por el director Bernard Vorhaus y el coguionista Samuel Ornitz, ambos futuros objetivos de la lista negra anticomunista. Un médico vienés (Charles Coburn) y su hija (Sigrid Gurie), que huyen de la anexión nazi de Austria, encuentran refugio en una comunidad agrícola de Dakota del Norte, amenazada por las implacables tormentas de polvo que arrasan la capa superficial del suelo. Ellos comparten su suerte con el joven visionario líder de la asociación de agricultores, la estrella recién acuñada de Republic, John Wayne, mientras insta a una migración masiva hacia mejores tierras en Oregón. Impresionante fotografiado por la futura leyenda del cine negro John Alton, en su primer crédito de Hollywood.

Teatro Roy y Niuta Titus 2

Teatro Roy y Niuta Titus 2

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La próxima gran cosa (bien, amplia)

A principios de la década de 1950, las películas estaban en una posición muy parecida a la de las cadenas de televisión de hoy. Había aparecido una nueva tecnología, ¿adivinen qué? - agotando a gran parte de la audiencia para la que las películas habían sido un hábito dos o tres veces a la semana. Hollywood se apresuró a encontrar algo que el televisor de pantalla pequeña en blanco y negro que se encontraba en cuclillas en tantas salas de estar estadounidenses no podía proporcionar: una experiencia cinematográfica más grande y sensorial. Un par de experimentos iniciales, con 3-D y el proceso de pantalla ancha Cinerama, produjeron resultados impresionantes, pero resultaron ser demasiado engorrosos para el propósito básico de contar historias.

Y luego, el 16 de septiembre de 1953, "The Robe" tuvo su estreno en el Roxy Theatre de Nueva York. Trompetado como "La primera película en CinemaScope - ¡El milagro moderno que se ve sin gafas!" - “The Robe” ofreció al público una imagen dos veces más ancha y significativamente más alta de lo que estaban acostumbrados.

Con licencia del inventor francés Henri Chrétien, CinemaScope ofreció una experiencia inmersiva sin ser difícil de manejar. Donde Cinerama y 3-D requerían la proyección cuidadosamente sincronizada de múltiples tiras de película, CinemaScope usó una lente anamórfica para exprimir una imagen ancha en una película estándar de 35 milímetros. Los resultados fueron asombrosos, la tecnología (relativamente) fácil de usar y tanto el público como la industria quedaron enganchados.

En unos pocos meses, las películas de pantalla ancha (algunas en verdadero CinemaScope u otros procesos anamórficos, otras creadas simplemente enmascarando la parte superior e inferior de una imagen estándar) se habían convertido en la norma de Hollywood, y lo siguen siendo hoy.

Basada en una novela de 1942 del popular escritor inspirador Lloyd C. Douglas ("Magnificent Obsession"), "The Robe" es la historia de Marcellus Gallio (Richard Burton, en su primera película estadounidense importante), el oficial del ejército romano encargado de llevar fuera de la crucifixión. Enloquecido por la culpa, va en busca del esclavo griego Demetrius (Victor Mature) que rescató el manto de Jesús. En el proceso, él mismo se convierte en un cristiano devoto, para gran indignación de su empleador, el emperador Calígula (Jay Robinson).

Durante décadas ha sido difícil imaginar qué deslumbró tanto al público de 1953. Debido al daño al original causado por la sobreimpresión, "The Robe" ha circulado en los videos caseros en una forma particularmente oscura y lúgubre. Pero ahora, después de un importante esfuerzo de restauración dirigido por Schawn Belston del archivo de películas de 20th Century Fox, "The Robe", se ha devuelto a algo que sugiere su gloria original, con colores brillantes de libro de cuentos, una imagen nítida y las cuatro pistas originales. banda sonora estéreo, todo mostrado con una tremenda ventaja en una nueva edición de Blu-ray.

Sin embargo, "The Robe" sigue siendo una película de transición. El director, Henry Koster, no fue capaz de captar todas las implicaciones estéticas del nuevo formato, que permitió a los directores escenificar escenas con mayor profundidad y alentó el uso de tomas más largas en lugar de las tradicionales transversales (posibilidades pronto comprendidas por el cineasta George Cukor, con “A Star Is Born” de 1954). Debido a las limitaciones incorporadas en los objetivos de primera generación, los primeros planos eran problemáticos y los movimientos de la cámara eran difíciles de ejecutar. Gran parte de "The Robe" se siente decepcionantemente distante y plana.

Aún así, hay algo emocionante cuando Koster hace descubrimientos pequeños pero significativos, como cuando yuxtapone a Burton, una pequeña figura en el extremo izquierdo de un set, con la figura aparentemente mucho más grande de Mature, de pie más cerca de la cámara en el primer plano derecho. El contraste es visualmente dinámico y emocionalmente resonante.

En caso de que el asunto de CinemaScope no funcionara, Fox filmó simultáneamente "The Robe" en una versión de proporción estándar que rara vez se ha mostrado desde entonces. El Blu-ray ofrece a los espectadores la opción de comparar el CinemaScope y las versiones estándar escena por escena, gracias a una función de imagen en imagen. Las muchas diferencias entre el encuadre estrecho y el corte rápido de la versión estándar y las tomas más largas y las composiciones encadenadas de la variante de pantalla ancha ofrecen una lección completa de historia y estética del cine: se abre un nuevo camino a medida que se cierra un camino tradicional. (Fox, Blu-ray $ 34.98, definición estándar $ 19.98, sin clasificar)

PELÍCULA CLÁSICA NOIR, VOL. 3

“Classic Film Noir, vol. 3 ”, de VCI Entertainment, un distribuidor independiente en Oklahoma, ofrece ediciones significativamente mejoradas de dos películas intrigantes que durante mucho tiempo han circulado solo en versiones deprimentes de dominio público. Me había desesperado de volver a ver una copia decente de "Amazing Mr. X" de Bernard Vorhaus (1948), también conocido como "The Spiritualist" o "Reign of Terror" de Anthony Mann (1949), también conocido como "The Black Book". Pero aquí están, y aunque no son impecables, han vuelto a una forma muy visible a través de una combinación de técnicas de restauración química y digital.

Ambos títulos fueron lanzados originalmente por el desaparecido equipo británico-estadounidense Eagle-Lion Films, y ambos fueron fotografiados por el brillante y excéntrico John Alton, uno de los estilistas seminales del cine negro. "No es lo que enciendes", observó Alton una vez. "Es lo que no enciendes". Estas dos películas son estudios poderosos en la oscuridad y la sombra, perforados por rayos de luz brillantes, la marca registrada de Alton, proyectados desde fuentes invisibles en algún lugar del fondo de los cuadros de enfoque profundo.

"Señor. X ”es un thriller gótico protagonizado por el actor austriaco Turhan Bey, que aporta todo su encanto exótico (padre turco, madre checa) al papel de un consultor psíquico fraudulento que intenta atraer a una joven viuda adinerada (Lynn Bari) en sus garras. La trama ofrece muchas oportunidades para que Alton se pavonee: un paseo nocturno por una playa solitaria y barrida por el viento, los pasillos de una mansión en la cima de un acantilado, resonando con música fantasmal una sesión memorable en una tarde soleada de California, durante la cual se forman formas ectoplásmicas. Surgen gracias a un ingenioso trabajo con una impresora óptica.

Dejado a sus propios recursos, como parece haber estado en “Mr. X ”, a Alton se le ocurren efectos excesivamente elaborados que distraen la atención del drama. (En un momento aquí, su cámara mira a una actriz desde el desagüe del lavabo del baño). Pero nunca deja de complacer la vista, incluso cuando sale de la historia.

“Reign of Terror”, un relato de locura durante la Revolución Francesa, une a Alton con otros dos formidables estilistas visuales, el director Anthony Mann (que pronto pasará a su famosa serie de westerns de James Stewart) y el diseñador de producción William Cameron Menzies. (Menzies, el diseñador de “Lo que el viento se llevó”, se acredita aquí solo como productor, pero su mano es inconfundible en los techos bajos y la geometría atrevida de los decorados). La colaboración produce una procesión casi ininterrumpida de imágenes complejas y convincentes. , que de alguna manera permanecen en gran parte al servicio del guión irónico atribuido a Aeneas MacKenzie y Philip Yordan.

Robert Cummings y Arlene Dahl son los protagonistas ostensibles, antiguos amantes reunidos en un intento de robar un cuaderno secreto que contiene una lista de candidatos para la guillotina de Maximilian Robespierre, interpretado con arrogancia moralista por Richard Basehart. (“¡No me llames Max!”) Pero el astuto actor de reparto Arnold Moss se roba rápidamente el espectáculo, quien aporta su culto barítono y su estilo epiceno al papel de Fouché, el jefe de la policía secreta de Robespierre. De pie en la parte superior de una escalera de Menzies en sombras, iluminada desde atrás por el rayo de una luz de arco de Alton, mira a los amantes y ofrece un consejo secamente pragmático de Anthony Mann: "Hay una revolución en marcha. ¡No te quedes fuera hasta tarde! " (VCI Entertainment, $ 19.99, sin clasificar)


Películas dirigidas por Bernard Vorhaus

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El asombroso Sr. X Tan joven, tan malo Tres caras al oeste Enterrarme muerto Camino hacia el sur Resistencia al interrogatorio enemigo La cámara fantasma Dama de Luisiana El ultimo viaje Rey de los Newsboys La melodía rota Perdona mi francés Reconocimiento del Zero Fighter japonés Ángeles con alas rotas Crimen en la colina Armiño polvoriento Los asuntos de Jimmy Valentine Conoce al Dr. Christian Fisherman & # 039s Wharf El valiente Dr. Christian Reina de algodón Ice-Capades Revue /> /> Canción callejera Dinero por velocidad Las maravillas de invierno Terminando la escuela Niño de la décima avenida Huracán smith Sr. Fiscal de Distrito en el Caso Carter /> /> Ten Minute Coartada /> /> Aprenda y Viva Dark World /> /> Justicia ciega

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Bernard Vorhaus - Historia

Reparto: Hugh Williams (Gerald Winter), Godfrey Tearle (Sir Wilfred Rhodes), Judy Gunn (Diana Gregory), Julien Mitchell (Bob Holt), Nelson Keys (el francés), Michael Hogan (Charlie)

En vísperas de la jubilación, un conductor de tren, creyendo que su esposa más joven está teniendo una aventura con su fogonero, decide estrellar el tren en el último trayecto.

The last journey of the title is that of a train driver (played in barnstorming style by Julien Mitchell ) who must retire due to his age and who comes to believe, incorrectly, that his wife is having an affair with his stoker. Like director Bernard Vorhaus 's earlier 'quota quickie', The Ghost Camera (1933), the film was derived from a story by J. Jefferson Farjeon , a formulaic thriller writer popular at the time but now largely forgotten.

Despite its fundamentally pedestrian plot, The Last Journey (1935) is enlivened considerably by superior handling from Vorhaus , and is usually singled out as one of the best of his quota quickies. Happily ensconced between the train and disaster genres, perhaps more than any of his other quota films it successfully displays his pyrotechnic editing style and his love of location shooting.

This is particularly evident in the opening sequences of the film. Although it betrays its low budget origins with a certain awkwardness in its execution, it brilliantly sets up the different strands of the story, with the camera swooping all over a London map to show where all the prospective passengers are before they eventually board the ill-fated train. To fully appreciate the virtues of Vorhaus 's attention to detail and dedication to filming outside the studio, one need only compare it with Hitchcock 's 1932 film of Farjeon 's Number Seventeen , in which the extended train climax is achieved entirely through the very obvious use of model trains.

Even in its day The Last Journey was noted on both sides of the Atlantic for its ambition. The Monthly Film Bulletin called it "sensational and exciting", while in the US the Hollywood Reporter hailed it as a " Grand Hotel on wheels. which will result in the fans sitting on the edge of their seats for most of the film".


Bernard Vorhaus

Bernard Vorhaus wurde geboren als Sohn des aus Krakau stammenden Anwalts Louis Jacob (Leib Leopold) Vorhaus (1868–1957) und dessen Frau Johanna, geborene Cohn (1869–1942). Seine Schwester Amelia „Amy“ Rose Vorhaus, verheiratete Oppenheimer (1893–1952), schrieb Drehbücher für ein paar Kurzfilme, wodurch Bernard Vorhaus' Interesse am Filmgeschäft entstand.

Er absolvierte zunächst ein Studium an der Harvard University und begann dank seiner Beziehungen zu Harry Cohn danach ebenfalls mit dem Drehbuchschreiben, [1] erstmals für Frank R. Strayers Steppin' Out (1925). 1928 produzierte er zusammen mit Jessie Burns den ersten Kurzfilm mit dem Titel Sunlight. Es folgten in Europa einige Drehbucharbeiten sowie Produktionsbeteiligungen, bevor er sich in London niederließ. 1933 führte er bei The Ghost Camera erstmals Regie. Im gleichen Jahr produzierte er On Thin Ice und Money for Speed, wofür er die Geschichten schrieb und Regie führte. In England wurde er politisch inspiriert und zeigte sich beeindruckt von John Stracheys Buch The Coming Struggle for Power und von Rajani Palme Dutts Auseinandersetzung mit dem Faschismus in Fascism and Social Revolution. 1932 heiratete er die walisische Filmemacherin und Aktivistin Esther „Hetty“ Davis Olwen (1909–1997). [1] Aus der Ehe ging die Juristin und Autorin Gwyneth Vorhaus und der White-Noise-Mitgründer und Filmmusikkomponist David Vorhaus hervor. [1]

Bernard Vorhaus wurde in London Mitglied des 1936 gegründeten Left Book Club, unterstützte die Frente Popular im Spanischen Bürgerkrieg und engagierte sich in Gruppierungen, die sich politisch gegen Adolf Hitler und Benito Mussolini richteten. Ab Mitte der 1930er Jahre führte er vorwiegend in Hollywood bei sogenannten B-Movies Regie und hatte dort mit politisch-linksgerichteten und kommunistischen Künstlern Kontakt. Im Dienstgrad eines Majors war er während des Zweiten Weltkriegs für die Filmeinheit der US Army Air Force tätig. Der 1944 entstandene Film Resisting Enemy Interrogation wurde 1945 mit dem Oscar in der Kategorie „Bester Dokumentarfilm“ prämiert. Da sich Vorhaus später weigerte, im Rahmen der Ermittlungen des Komitees für unamerikanische Umtriebe (House Un-American Activities Committee – HUAC) gegen Freunde in der Branche auszusagen, die verdächtigt wurden, der American Communist Party anzugehören, wurde er 1951 auf die Schwarze Liste der HUAC gesetzt. [1]

Bereits 1950 drehte Vorhaus in Deutschland zusammen mit Edgar G. Ulmer So jung und so verdorben. Pardon My French war im Jahr 1951 sein letzter in den Vereinigten Staaten produzierter Film – er wurde in Frankreich gedreht. Die HUAC-Entscheidung veranlasste ihn dann zum Entschluss, wieder nach London zu ziehen, da er zu dieser Zeit in den USA, Frankreich und Italien zur unerwünschten Person erklärt worden war. [1] 1953 führte er letztmals in Italien unter dem Pseudonym Piero Mussetta noch bei Mädchen ohne Moral Regie. Nachdem er in England Architekturkurse besucht hatte, gründete er ein Immobiliensanierungsunternehmen. Während des Vietnamkriegs nahm er die britische Staatsangehörigkeit an. Er war aktives Mitglied der Labour Party.

1992 wurde über Bernard Vorhaus in der TV-Dokureihe The Late Show berichtet und ein weiteres Mal 1997 in der Dokureihe Hollywood Commandos. Er verstarb im November 2000 im Alter von 95 Jahren.